Détruits complètement lors de la dernière guerre, le projet de restauration des vitraux débute en 1960. Les questions sur le choix de ces vitraux sont soulevés par le ministère de la culture (fondé en 1959) : insertion d’œuvres contemporaines dans un patrimoine culturel, relation de l’esthétique et du sacré, confrontation des artistes avec les techniques du vitrail et du verre. Les premiers vitraux de Raoul Ubac sont réalisés entre 1977 et 1983. Suivent ceux de François Rouan, Gottfried Honneger, Claude Viallat et enfin Jean-Michel Alberola. Au final, plus de 30ans et 7 millions d’euros plus tard, l’inauguration a eu lieu en avril 2011.

Cette nouvelle série de 5 peintures, je l’ai intitulée « Temporalités ».

L’espace y est fluide, fluctuant. Les personnages y sont arrêtés comme si le temps ne les concernait plus. Le rouge, couleur de vie, se heurte au noir, au blanc…L’avenir reste à inventer.

Temporalité

Temporalité

Temporalité

Temporalité

Le point commun entre un défile de mode et un salon AAF (Affordable Art Fair ) d’ Art Contemporain ?
C est la ” tendance”.
Cette année par exemple, on peut dire que le chien est en baisse, la vache complètement has been et l’individualité disparaît au profit d’une foultitude de petits personnages sans identité propre. En quelque sorte c’est l’humain vu du ciel : une armée de playmobile plantés dans des espaces anonymes…
Est-ce la mondialisation de plus en plus présente qui nous donne le sentiment d’ être 
infiniment petit? Ou encore notre impuissance face a toutes les catastrophes climatiques qui s’abattent sur planète?   Humilité, impuissance, anonymat…si même l’artiste n’arrive plus à se percevoir comme une personnalité propre, forte, présente dans le monde et lui faisant face, à qui donc appartient l’avenir ?

    PS : Contrôlez la vitesse de déplacement avec votre  souris (ralentir en allant vers le centre du tableau). 
N’oubliez pas de cliquer à  l’intérieur des carrés  blancs et mettez le son. 
Et maintenant cliquez sur le lien suivant et bonne découverte : 
http://www.npm.gov.tw/exh96/orientation/flash_4/index.html

Actuellement à la Tate Modern, une oeuvre captivante de Miroslaw Balka.

Au début, on ne voit qu’un énorme container en fer rouillé, posé sur des pilotis dans l’immense « Turbine Hall » de la Tate Modern. L’énormité de la chose nous écrase. Est-ce une œuvre, un contenant sans contenu, un leurre ? Intrigués, nous le contournons…tiens, on peut entrer dedans….et là vous êtes happés par l’expérience du noir. Le noir immense, intense. Plus vous vous enfoncez  plus le noir se fait dense. On ne sait même pas si on a peur, on tend le bras au cas où ….On se sent envahi d’une notion d’inconnu, d’infini. Presque déçus de rencontrer le mur du fond qui va nous faire faire demi-tour, nous retourner vers la lumière, le réel, le fini et le connu.

Ca ne dure pas longtemps, c’est rapide, efficace, c’est fort.

Une vraie œuvre d’art.

En savoir plus :  http://channel.tate.org.uk/media/47872674001

Thésard en philosophie ou en sociologie ? Pas du tout ! La personne qui a écrit ces phrases est le créateur et directeur de la Biennale de Lyon, Thierry Raspail et ces extraits sont tirés de sa préface. Et ce ne sont pas les seuls passages incompréhensibles. Pourtant on parle d’art contemporain, d’œuvres parfois d’une simplicité déconcertante (animaux en plastiques reproduits en série dans des couleurs criardes par exemple…..). Alors de là à penser que plus l’œuvre est insignifiante et dénuée de sens, plus on se doit de la doter d’un discours redondant et prétentieux, il n’y a qu’un pas…que je ne franchirai néanmoins pas, par respect pour un certain Art Contemporain qui reste sensible, compréhensible et émotionnel.

Cette réflexion sur le « parler » de l’Art Contemporain, est très bien explicité dans un dossier de Pierre Souchard dans le numéro 97 du magazine Artension : « Depuis les années 70, les philosophes, sociologues et autres intellectuels se sont emparés du discours sur l’art, réservé auparavant aux artistes, écrivains, historiens et journalistes. Depuis, moins les œuvres sont sensibles, plus certains développent alentour un épais nuage de vocabulaire alambiqué. Le public, humble, fait profil bas, de peur de passer pour un idiot. Résultat ? Depuis les abus de langages se multiplient, insupportables, prétentieux, stériles. » Dans la suite de l’article, Martine Salzmann décortique le discours de Thierry Raspail en une véritable explication de texte, faisant ressortir les non-sens, l’hermétisme et la non-cohérence.

La lecture de ce numéro d’Artension devrait être donnée en prescription médicale à tous ceux qui ce sont un jour sentis exclus de cette classe, ou plutôt caste, qui sait que dernière un « chicken jaune fluo en plastique » se cache une œuvre profonde et pleine de sens à côté de laquelle  le radeau de la méduse fait figure d’image de calendrier ! A lire donc, c’est bon pour son estime de soi …

Ils sont deux : père et fils, comme l’étaient Filippo et Filippino Lippi, Holbein le jeune et  le vieux, Bruegel ….

Ces transmissions de savoir et de savoir-faire étaient assez courant à cette époque. Peut-être pouvons nous mettre ces pratiques en parallèle avec les dynasties actuelles dans l’audiovisuel et le cinéma. Ce qui est étonnant, c’est que la passation s’arrête à une génération. Que sont devenus les fils des « fils de ? » En peinture, on n’en trouve pas.

La tête légèrement penchée, un sourire intérieur effleurant la toile et un étrange regard en coin, plutôt inexpressif …voilà les constantes dans les personnages féminins de Cranach l’ancien. Les corps sont diaphanes, ondulants… On peut y voir une  persistance du gothique ou une participation au maniérisme international.

Une grâce un peu perverse, un érotisme toujours présent. Presque un demi-siècle plus tard, en 2008, une affiche montrant la vénus nue, destinée à promouvoir une exposition Cranach à la Royal Academy of Arts de Londres fut censurée. L’œuvre, conservée au Musée de Francfort, n’a pas été du goût de la London Underground, jugeant qu’elle était une offense à la pudeur. Pour justifier sa décision, elle a cité son règlement en matière d’affichage, qui bannit toute publicité «montrant des hommes, des femmes ou des enfants d’une façon sexualisée, ou montrant des corps à moitié ou totalement dénudés dans un contexte ouvertement sexuel. Au final, la décision d’interdire l’affiche fut annulée.

Etrange regard, étrange aussi le plaisir du peintre à représenter ces femmes si jeunes et si graciles avec une épée, un couteau… Cranach a peint 4 versions de Judith et Holopherne. L’histoire biblique : une ville assiégée, une belle et riche veuve qui par son pouvoir de séduction décapite l’adversaire et sauve ainsi sa ville. D’autres peintres ont représenté cette histoire. Souvent de manière plus pudique quand à la tête du tyran. Cranach nous montre Judith la tête dans une main, l’arme tranchante encore chaude dans l’autre.

Sa mélancolie, éclatante de couleur dans sa robe rouge, dans une dynamique de légèreté aérienne. Toutes les lignes du tableau convergent vers le menu sein de cette jeune et jolie personne. Portant de travers une couronne d’épines, elle taille une verge de bois. Toujours cet  érotisme teinté de dangerosité. Ce tableau se trouve au musée de Colmar.

Finalement, je vais retenir de cette visite dans l’univers de Cranach, la douceur des visages et un peu oublier le côté tranchant de ces belles! Je vais proposer à mes élèves une copie de la tête de la première Judith…juste la tête…

Biographie de Cranach :

 http://arts.fluctuat.net/lucas-cranach-l-ancien.html

Sur la censure de l’affiche :

http://www.liberation.fr/actualite/010129329-la-venus-nue-de-cranach-autorisee-a-prendre-le-metro-de-londres

Dans les rues du vieux Lille, une très jolie galerie : ARTOP. Un sculpteur original : Serge Van de Put. Son originalité réside dans l’utilisation exclusive de pneus en tous genres  (du vélo au camion…) pour en faire des animaux grandeur nature pour certains (dont une girafe).

Quel que soit le matériaux, l’artiste qui rend sa chose animée, au sens ayant une âme a réussi son coup. Ses chiens, animaux familiers pour la plupart d’entre nous, on a l’impression de les connaître. Je suis persuadée que le collectionneur pense plus à une adoption qu’à un achat lorsqu’il sort son carnet de chèque. J’en aurai bien adopté un, peut-être celui qui se couche sur le côté en position de dominé, mais mes chats Vasco et Rapso n’auraient pas apprécié cette intrusion dans leur monde félin.

Serge Van de Put est belge, né à Anvers… et pour en savoir plus, rendez-vous sur son site internet : www.sergevandeput.com

 Pour contacter la galerie ARTOP : www.artop.fr